Blog de Luis Fernando Quirós
Manuel Canales: Diseñar Infografías
El diseñador gráfico e infografista Manuel Canales del periódico La Nación, Costa Rica, impartió recientemente una conferencia sobre la actualidad e impacto de la infografía en los medios de comunicación, se realizó en el auditorio Roberto Sasso de la Universidad VERITAS, para inaugurar el curso lectivo del tercer cuatrimestre de la Escuela de Diseño Publicitario.
En un mundo centrado en la comunicación, es en suma importante detallar al máximo lo que se desea comunicar; significa tener que abstraer conceptos, determinar palabras o íconos clave, plantearse mapas mentales para que el remanente, lo que queda de lo comunicado sea sustancial, asimilado como cognición; sucede solo cuando para mayor lectura se cuenta con la fortaleza de los íconos, gráficos y el uso simbólico del color.
La conferencia de Manuel Canales
El diseñador ejemplificó la función del “semáforo” en las vías urbanas, que codifica tres colores captados de inmediato por el perceptor y a través del tiempo modelaron una cultura en torno a la Ley de Tránsito. El rojo, el amarillo y el verde van estrechamente relacionados a la compresión inmediata del contenido “detención”, “precaución”, “vía libre”, pero si algún usuario del sistema incumple la norma entra en contravención de la ley.
Canales expresa que el cerebro humano está preparado para recibir enormes cantidades de datos visuales decodificados y relacionados para generar información, que –en tanto enjambre cognitivo-, no se genera por suma, sino por relación; el cerebro compara, yuxtapone, sintetiza datos visuales y emite juicios que influencian la conducta del usuario o perceptor del sistema.
Es fundamental la abstracción, cuando a través del ícono –síntesis de la realidad-, se resume lo necesario a transmitir en un determinado mensaje. El diseñador explica a través de la universalidad de la iconografía el sentido de la lectura, y en tanto emisor, puede contar historias y transmitir diversidad de matices de la realidad a través de conceptos claves. Utiliza gráficos que corresponden a imágenes, colores, formas, movimientos, líneas de tiempo, comparaciones, todos son datos que estrechamente relacionados entre sí generan la información.
Presentó algunos referentes como las infografías de Vetrau, los mapas de Jonh Grimwade, Feltron, La Mosca.com, Francesco Franchi, la Galería Infografía y la página WEB Designer Depot, entre otros.
Bosque Nuboso. Infografía de Manuel Canales y William Sánchez. Illustración: Fabrio Rojas y Daniel Solano. Investigación: A. Callejas y A. Vargas. La Nación
Activador del aprendizaje
La infografía es una representación gráfica que motiva al lector o usuario a aprender, estimula a decodificar y transforma los códigos visuales en comprensiones que revelan flujos de información.
Como ejemplos de infografías, Manuel Canales presentó en su conferencia mapas de rutas del metro, rutas viales y servicios públicos de transporte para ubicarse y orientarse en la ciudad.
Miradas a la historia
Evocó la pintura rupestre del arte de la Prehistoria, por la cual hoy en día sabemos de esas culturas de cazadores, de sus creencias y formas de organización social.
Miguel Ángel, en el techo de la capilla Sixtina comunicó un conjunto de eventos bíblicos -como en una especie de story board-, que nos motiva a saber más de las formas de pensamiento de lo que hoy conocemos como Renacimiento.
Leonardo, por su parte, utilizó dibujos y textos explicativos de sus investigaciones y observaciones científicas como el vuelo, la ingeniería constructiva, el arte, que hoy constituyen importantes “infogramas” para el saber universal.
Vía Crucis del equipaje * Medalla de Bronce Malofiej 20. Graphics Director Gráfico: Manuel Canales. Infografía: M. Canales, D. Solano y D. Baltodano.
Frutos del lenguaje gráfico
Un infografista es un visualizador-comunicador que se sirve de altos niveles de síntesis y precisión tratando de reducir el impacto de la incertidumbre; no es un artista quien interpreta y agrega su visión de mundo o expresión interna, aunque las técnicas artísticas ayudan a representar e ilustrar algo que no se ve en el entorno porque proviene de la historia, del pasado.
Sirve también para develar lo oculto que no se ve a simple vista; se trata de una realidad que hay que explicar, ampliar y detallar para que sea comprendida por todas las personas.
La inforgrafía es diseño para explicar, comunicar, motivar el aprendizaje, requiere decodificar simbologías, elaborar esquemas tridimensionales donde analizar variables en un mismo mapa; es útil para mostrar procesos, para recopilar información, analizarla e identificarla en un esquema.
Un infograma, tanto como un mapa conceptual, nos sirve para comprobar hipótesis al resolver problemas diseñando gráficos estadísticos, líneas de tiempo, flujos de influencia, enlaces de relación con el uso de fotografías e ilustraciones.
Enterprise. Graphics Director Gráfico: Manuel Canales. Infografía: M. Canales, D. Solano.
Mapeo transdisciplinario
Tiene que ver con la psicología cognitiva, con el estudio del ambiente, la ergonomía, la historia, la ciencia, la arquitectura, el arte, la biología, la sociología, o sea se relaciona con todas las ciencias sociales y exactas.
Esta especialización del diseño gráfico sirve para aclarar situaciones complejas que demuestran tendencias, puntos cruciales, como el vivir en sociedad donde el ícono contiene y transmite información codificada para un usuario dentro de su cultura visual. El lenguaje verbal y la imagen alcanzan posibilidades comunicativas más allá de los idiomas, creencias, estaturas sociales y culturales.
El infografista, agrega Canales, es quien tiene que tomar la decisión si es necesario el gráfico, tomando en cuenta si existe información necesaria para hacerlo y si se cuenta mejor a través de un gráfico.
Irazu, desde el corazón del volcán * Medalla de Bronce Malofiej 20. Director Gráfico: Manuel Canales. Infografía: M. Canales, W. Sanchez y R. Paniagua.
Clasificación
Manuel Canales aclara que más que dividirlas por temas, le gusta la diferenciación que hace Alberto Cairo en su libro Arte Funcional, el distingue dos tipos de infografía: la figurativa, en donde el objeto representado tiene relación con lo que se representa y la abstracta, en donde se decodifican colores y formas para visualizar grandes cantidades de datos con múltiples variables.
Algunos proyectos
El departamento de Infografía de La Nación se interesó y publicó proyectos educativos como el “Megamapa de Costa Rica” publicado en doce ediciones; “Costa Rica Verde” sobre los Parques Nacionales con información científica de sus sistemas biológicos, referencias para llegar, ubicar senderos, especies.
T-rex visita CR. Infografía: M. Canales. Ilustración: D. Solano.
Método o proceso
Las temáticas se determinan de acuerdo al interés que demuestre el público y/o noticioso, las ideas pueden venir desde los editores de las diferentes secciones del periódico, los reporteros o desde el departamento de infografía.
Se investigan los temas para recopilar todos los datos, una vez recopilada la información, se analiza y buscan patrones, para someterla a prueba sus hipótesis y/o se crean nuevos patrones. Después de esto, se busca la mejor forma de representar esa información para que sea descodificada por el usuario de manera sencilla. La forma antecede a la función.
El Páramo. Infografía de Manuel Canales y William Sánchez. Illustración: Fabrio Rojas y Daniel Solano. Investigación: A. Callejas y A. Vargas. La Nación.
Infografía y medios en línea
Como último trato de la conferencia, el diseñador Manuel Canales habló del potencial de las infografías para vincularlas con los medios interactivos, como páginas web, donde se agrega la posibilidad del movimiento y el uso de los hipervínculos para navegar a través de la información.
Este carácter de infografía es fundamental cuando hoy en día la lectura de textos entra en crisis, el libro requiere se reinventado a través de estos medios tecnológicos e imágenes gráficas sintetizadas.
Marino Ballena, Parques Nacionales de Costa Rica. Director Gráfico e Infografista: Manuel Canales.
A manera de conclusión
Manuel Canales explica que la imagen contiene mucha información, las formas y colores ayudan al cerebro a transformar grandes cantidades de datos en conocimientos.
Al igual que antes la gente desea informarse, hoy en día hay mejores formas de hacerlo, el texto ya no es la única ni la más efectiva.
Los vídeos, la animaciones y la interactividad ha ganado más adeptos porque comunica efectivamente.
La infografía hace uso de estás técnicas para lograr su objetivo de comunicar. La idea es de enviar un mensaje utilizando estas disciplinas para que el usuario lo descodifique y transforme en conocimientos.
Fabrizio Arrieta: El principio del fin
El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), San José, Costa Rica, en su Sala 1, de setiembre a noviembre 2012, ofrece la muestra “El principio del fin” del artista Fabrizio Arrieta; consta de pinturas en gran formato, objetos, instalaciones y video. Quiero abordarlo con esta conversación para indagar la naturaleza de su oficio y el impacto de hacer arte en estos tiempos cuando el disenso y la incertidumbre acrecientan las miradas y el interés.
Ingresar al museo me instiga a preguntar, a exponerme a lo expuesto: dialógica de un arte que cuestiona, que sacuden al pensamiento, conocimientos y raciocinio, donde las aguas del río de la interpretación del arte de pronto se agitan y, encabritadas, divagan quizás tras el significado del fin último que el artista promete iniciar, sin dejar de considerar cierta lectura escatológica que motiva el título de la muestra; pero encontré al artista, por ahí, en la sala, cuyas respuestas logran que las aguas apacigüen, transparenten y dejen ver la riqueza de sus fondos.
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Sala 1 del MADC. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: La pintura representa tu marca, con la que te presentas a la sociedad, al mercado del arte, al museo, a la crítica, a la cultura; es portadora de tu carácter que intrinca diálogos en diversas vías: de la pintura con el espectador, de tu pintura con otras pinturas, de un espectador “A” con un espectador “B”. ¿Cómo defines tu carácter, cómo lograste asumirlo y presentarte a los demás?
Fabrizio Arrieta: Considero que parte importante del carácter de mi trabajo es la duda, sana y constante, una revisión diaria de sus métodos, alcances y funcionamientos y lo asumo de esa manera, siempre atento al cambio y a la posibilidad de sorprenderme, con desapego al pasado y una sana desconfianza del futuro…
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: La pintura es portadora de lo que crees del arte y lo que deseas que otros miren en ti, ¿qué piensas de esta percepción del arte?
FA: Pienso que es errónea, involuntariamente mis valores podrían transparentarse en mi trabajo pero afirmar que en mi pintura sintetizo lo que creo del arte y lo que deseo que otros miren de mi es darle una gran responsabilidad que no tiene ni pretendo que tenga… Lo que creo del arte va mucho mas allá, casi como el horizonte que se aleja al avanzar ..., mi trabajo es solo un intento de llegar allí..., es casi un acto de fe.
Público asistente a la muestra de Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Cuál es el carácter de tu reflexión previa a disponerte a pintar? ¿Teorizas, trazas esbozos, mapeo conceptual?
FA: Intento borrar los limites. Hacer de mi vida y mi trabajo lo mismo.
Poder ir con naturalidad desde mis actividades diarias a mi labor profesional y viceversa y dedicar todo mi tiempo a que esta relación funcione en armonía… Permitirme que sucedan muchas cosas en un solo día, con la visión de que alimenten mi diario vivir, mis ideas y mis acciones personales y profesionales.
Instalaciones y video en la muestra de Fabrizio Arrieta. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: La pintura posee una componente emocional, un signo que vincula, que me atrapa como observador y motiva a interiorizar para tomar conciencia de a qué me enfrento, que signos me instigan a apropiarme de su significado; me motiva, como espectador, a sumirme en la autoreferencialidad para indagar qué creo, hacia donde voy, cual es mi postura delante de estas expresiones. ¿Cómo defines esa componente emocional tuya, propia?
FA: Pienso que las manifestaciones artísticas son muy poderosas, me gusta creer en eso. Creo que pueden cambiar algo, a veces insignificante, a veces muy significativo. Y que el artista es el primero en correr ese “riesgo” por su cercanía con la obra. Por tanto es preciso adquirir cierta distancia, en un acto de desdoblamiento intentar ver el trabajo con los ojos del otro y librarse de él y a la vez de uno mismo. Este conflicto creo, al ser recurrente, termina por manifestarse y en cierta forma trasladarse al espectador quien intentara ver la obra con los ojos del artista para poder librarse de ella y de la situación en que ésta lo ha metido.
Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: El artista actual es un vinculador por excelencia. Aprovecha los signos para anudarlos y generar un discurso. Háblame de tu método creativo, ¿como nacen las ideas?, ¿qué buscas y encuentras?, ¿cómo te dispones a buscar?
FA: Estoy de acuerdo, el artista hoy día cumple una labor de vinculador, de intermediario, de traductor a veces, de generador, de provocador inclusive. Me gusta creer que el artista tiene la responsabilidad de vivir en su época y pensar y trabajar desde allí, desde el presente. Y cuando me ubico a en ese contexto solo intento ser receptivo, verme a mi mismo y a mi labor como algo en medio de un interminable proceso que involucra todo lo que sucede, es allí donde nacen las ideas, en esa disposición, esa apertura que me permite acoplar lo que llegue, sea algo que busque o algo que encuentre…, nunca hay una preparación previa…
Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Dónde encuentras tus referentes?
FA: Los encuentro en el camino, y en el camino también los pierdo…
LFQ: La disposición museográfica, sobre todo de la pintura, acrecienta una ubicación histórica del arte, nos empuja a decantar tu obra dentro de un tejido de relaciones hacia la pintura de maestros como Velázquez y Goya. ¿Te gusta ese tono de matices que te vincula con la historia?
FA: Me interesa, si. Específicamente con mi trabajo pictórico mas “tradicional”. Pintar hoy implica para mi ver atrás, considerando que la pintura como medio ha acompañado a la historia del arte desde sus inicios… Claro, mas como un intento de comprenderla y producirla hoy…
Y establecer esos vínculos, conceptuales, históricos y formales aunque parezca contradictorio me permiten pintar hoy… desde esa perspectiva, que no es la única ni mucho menos, habrán tantas formas de abordar la pintura como artistas que la practican… Es solo algo que ha captado mi atención en este momento.
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Cuál y cómo defines el detonante, el signo con que impactas al espectador?
FA: No podría definirlo. Claro que existen formas, estrategias de comunicación, entradas de acceso a los significados y sentidos que pueda generar una obra pero afirmar que hago utilización consciente de estos métodos implicaría ubicarme en una situación de poder, de control para con el espectador, con mi obra y conmigo mismo. Y no estoy interesado explícitamente en eso. Creo que hago mi trabajo y lo que después pasa ya no esta en mi poder...
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Dónde radica el significado de cubrir la pintura por manchas de negro que se propagan en el cuadro? ¿Por qué a veces son formas fundamentalmente geométricas como el rectángulo y la circunferencia y en otras una masa orgánica que pivotea entre las figuras y los personajes?
FA: No tengo claro el significado. No pretendo tenerlo claro, pues si lo supiera no tendría el mismo sentido para mi pintar, mi pintura dejaría de ser una investigación y comenzaría a ser una repetida publicación de un “descubrimiento” que pronto caducaría en el tiempo. En un sentido personal por supuesto.
Pienso que si algo puede manifestar en parte es esa inconformidad, ese conflicto, esa incertidumbre… se trata de una cuestión de posibilidades mas que de soluciones. Posibilidades de producción y de interpretación.
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: ¿Cómo estructuras el cuadro? ¿de dónde partes? ¿Posee algún significado explicable esa estructura que sostiene tus pinturas?
FA: Es un proceso muy aleatorio que involucra antes que nada tomar decisiones partiendo de imágenes y sus significados, siempre con la mentalidad de desembocar o girar en torno a la pintura y donde mi participación es solo una parte de ese proceso.
LFQ: Pienso que tu oficio de pintor es sorprendente, impactante, marcas un camino para la pintura actual. Pero sitúas en la muestra otras manifestaciones del arte contemporáneo como el video, las instalaciones ¿son para estar al día? ¿No crees que diluyen o restan fuerza a esa carga conceptual de tu pintura?
FA: Considerar otros medios alternativos a la pintura como intentos de “mantenerme al día” sería mirar con prejuicio a la pintura y restarle su capacidad para aportar sentidos desde la actualidad. También sería ingenuo de mi parte si considerara que el hecho de usar nuevas tecnologías por si solas me permitirían realizar una obra relevante en el presente.
Simplemente creo que todos los medios son coexistentes y que funcionan como lo que son. Y estos serán parte del contenido de la obra y estarán en función de él en el mejor caso.
Personalmente prefiero pensar en puentes entre los medios que utilizo, los grupos de obras, los temas que abordo y las soluciones formales, mas que en fronteras o límites. Eso amplía mi campo de trabajo y (me gusta creer) me permite una mayor libertad para abordar mis inquietudes desde cualquier lugar y de cualquier forma.
A pesar de ser consciente de mi posición como “pintor” ante mí y los demás y de mi evidente predilección por la pintura estoy convencido del valor y del aporte del resto de obras para con esta exposición en específico, en un sentido de conjunto, de relaciones y asociaciones entre las obras, estableciendo un diálogo, ambiciosamente, que no solo involucra las obras y sus diversos medios sino también la sala, el montaje, el público, la institución, el papel del artista, la historia, la educación, el valor simbólico de la obra, el mercado y a la pintura y todo lo que esto representa...
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
LFQ: A manera de conclusión a este acercamiento al pensamiento y obra de Fabrizio Arrieta, quisiera evocar el instante cuando me ubiqué delante de esa enorme pared de la Sala 1 del MADC, y encontré un asiento para reposar y decirme a mí mismo que ante la obra de este joven pintor no me quedaba más que sumirme en aquellas briosas aguas de la interpretación: las piezas no tienen por qué decirlo todo, ese es el desafío o acicate para intentar leerla y salir airoso de tener que nadar a veces a contra corriente, tratando de enlazar al observar las páginas de las revistas muy bien articuladas con su tejido de conceptos, así como los libros y pensamientos, que como aquellas figuras de modelos salidas de las vitrinas de la moda o el glamour de los escaparates, en escenas (de)construidas pintadas con fina técnica e instaladas con gracia y acierto en la gran sala, nos conectan con el proceso, con el camino abordado en el día día del artista quien invita a sentirlo como propio, a compartir su profunda introspección donde sedujo la componente poética de esas contingencias y azar del vivir actual, las mismas que me llevaron al museo con la premisa de intentar comprender la paradoja y “el principio del fin”.
Fabrizio Arrieta, El Principio del Fin. Fotografías cortesía del artista y del MADC.
U.VERITAS.CR: MORPHO/génesis 2012
Del 10 al 14 de setiembre la escuela de Diseño de Producto, Universidad VERITAS Costa Rica, organizó el evento Morphogénesis 2012: Naturaleza, Concepto, Praxis. Las palabras de Oscar Pamio -Decano de Docencia-, y Martín Rodríguez -Director Diseño de Productos de la universidad-, iniciaron la celebración a la cual fue invitado el destacado diseñador catalán Ramón Benedito, en un evento inaugural en el auditorio del Museo del Oro del Banco Central de Costa Rica; se presentó además la conferencia de los diseñadores Jin Kuramoto y Jo Nagasaka, quienes disertaron sobre la actualidad del diseño nipón.
Muestra MORPHO/génesis 2012, aparecen Ramón Benedito y Oscar Pamio observando algunos de los trabajos expuestos. Fotos cortesía U. VERITAS.
Muestra de diseño de productos de estudiantes y profesores
También se inauguró un espacio de exhibición de trabajos estudiantiles, proyectos de graduación de la escuela y la entrega oficial del anuario de los más destacados en la escuela de Diseño de Productos. En la exposición se apreció la fortaleza del estudio de redes topológicas a partir de las colmenas de abejas de Miguel Maffioli; el de tejidos para alfombras y lámparas de María José Núñez –egresada y actual docente de la escuela-, y diseño de bicicletas deportivas y otros vehículos como el expuesto por Daniel Coghi quien alcanzó notoriedad por su innovación, calidad y funcionalidad.
Vista general de MORPHO/génesis 2012. Fotos cortesía U. VERITAS.
Bicicleta diseñada por Daniel Coghi y otros proyectos de egresados entre ellos el de redes de Miguel Maffioli. Fotos cortesía U. VERITAS.
Talleres
El lunes 10 de setiembre iniciaron los distintos talleres para ampliar la experiencia académica a los estudiantes y egresados, impartidos por Jin Kuramoto, Jo Nagasaka sobre diseño japonés; diseño de productos por Julián Ossa -director de la escuela homónima de la UPB de Medellín, Colombia-, taller de estructuras naturales a cargo de Ignacio Urbina -docente de la maestría en diseño de Prat Institute de Nueva York- y Juan Guillermo Chica -profesor de VERITAS-, “Binomio Dibujo/Diseño” impartido por Luis Fernando Quirós, también profesor de VERITAS, y un taller de Geometría Descriptiva impartido por Roy Quesada, arquitecto y docente de esta universidad.
Estudiantes en el taller básico Binomio Dibujo/Diseño. Fotos cortesía U. VERITAS.
Jornada académica
Las disertaciones enfocadas a temas tecnológicos, profesionales y en especial a la naturaleza se realizaron el jueves 13 de setiembre. Catalina Rey -docente e investigadora de la UPB de Medellín- esbozó el logro del taller de biomimética para el diseño, que aunó a docentes y estudiantes de la Universidad de Medellín, del Politécnico de Monterrey México y Diseño de Productos VERITAS, realizado en “Veraguas Rain Forest”, Caribe costarricense. Vivenciaron caminatas de sensibilización, colocación de pantallas a cielo abierto con iluminación artificial nocturna para atraer insectos y practicar estudios asesorados por biólogos. Atendieron a cómo se desplazan, tracción, movimiento, observaciones estereoscópicas, determinación de patrones, síntesis geométricas, mediciones nanométricas, tendientes a proyectar propuestas de diseño para posibles usos humanos.
Cartel del taller Biomimética. Fotos cortesía U. VERITAS.
Ramón Benedito -presidente de la firma Benedito Design, Premio Nacional de Diseño de España y gerente general de Elisava Barcelona-, presentó su segunda conferencia titulada Éxito y ficción, con la cual abrió un ámbito de reflexión sobre situaciones llevadas al producto pero sin la esperada trascendencia, tocando aspectos de comercialización y maneras de ser de un producto, parámetros y factores que influencian su permanencia en el mercado; habló de los clásicos del producto, su validez y duración mas allá de las tendencias cuya atemporalidad trasciende como herencia entre generaciones. Insistió en saber resolver las necesidades emocionales del usuario, y que aspectos estructurales como la geometría, no pasarán desapercibidas, como por ejemplo nos refirió a las pirámides de Egipto cuya presencia es eterna. Expuso fotografías de algunos de sus proyectos de amueblamiento urbano, zona del baño y cajeros bancarios para La Caixa.
Ramón Benedito en su conferencia Éxito y Ficción. Fotos cortesía U. VERITAS.
Julian Ossa –director de la escuela de Diseño de la UPB de Medellín-, disertó sobre la tecnología Cam Cad con la gama de oportunidades que ofrece al diseño al visualizar el proyecto, que profundiza procesos de configuración, comprobación, fundamentación de costos y otros valores de carácter económico. Explica que ese potencial tecnológico aporta a la evolución del producto para hacer más eficiente su diseño. Presentó además imágenes con modelados paramétricos o de dibujo libre, graficadores vectoriales realizados en Cad, renderizados para animación digital, y modelados computarizados que los prepara para el corte laser con hasta cinco ejes y otras ventajas tecnológicas.
Luis Fernando Quirós en la conferencia Biomorphos mostrando la autoreferencialidad de la naturaleza con la forma del árbol. Fotos cortesía U. VERITAS.
La conferencia de Luis Fernando Quirós titulada Biomorphos: el árbol y el diseño presentó imágenes de esos árboles que tanto nos impactan por sus formas -como el “árbol dragón”, los “baobab” africanos o las ceibas tropicales. Brindó una mirada evocativa a nuestros ancestros que convivieron bajo la sombra protectora del árbol y la montaña, en una forma de subsistencia natural muy primaria pero tolerante con su cultura y apropiación del recurso natural. Presentó un conjunto de productos de diseño contemporáneo tales como muebles, accesorios, lámparas, alfombras, gráfica, joyería, incluso del vestido, donde la imagen del árbol es la principal inspiración.
Semillas que vuelan, fue la segunda presentación de Catalina Rey diseñadora e investigadora de la Universidad Pontificia Bolivariana, puntualizó sobre la naturaleza, cómo funcionan sus sistemas, qué es biomimética, y otros alcances estudiados en un proyecto de investigación centrado en aquellas semillas de árboles que al desprenderse planean o se desplazan hasta quedar depositadas en el terreno. Se observaron diversas tipologías de semillas cuya forma facilita el movimiento y sobre todo favorecen su aplicabilidad en productos de uso humano.
Ignacio Urbina Polo es un diseñador industrial venezolano, quien disertó sobre “cómo vivir del diseño”. Espacio de evocación y realización profesional que inició relatando sus años de estudiante en la ciudad de Florianópolis, Universidad del Estado de Santa Caterina, Brasil; ahí cimentó el andamiaje de su profesión que lo llevó a asumir importantes proyectos de diseño para la vida urbana de su país Venezuela y la región, diseñados y producidos por su oficina de diseño, hasta alcanzar, en años recientes, su dedicación a la docencia ejercida en la maestría del Instituto Prat de Nueva York.
Panel MORPHO/génesis: Naturaleza, Concepto, Praxis
Participaron Julián Ossa, Ignacio Urbina, Catalina Rey, Ramón Benedito, y Martín Rodríguez como moderador. Versó sobre el universo de ideas inspiradoras del diseño que provienen del entorno natural, y se evocaron las ideas centrales de cada una de las conferencias. Ampliaron conceptos y observaciones hacia el proyecto “Semillas que vuelan”, al observar cómo estas componentes naturales pueden proyectar un objeto lúdico, que pueda desplazarse en el aire tal y como lo hacen dichas semillas”. Se aludió a los talleres de diseño y a los ejercicios de analogías biónicas, observaciones biomiméticas, nanométricas, geometrías y estructuras, temas para la investigación, docencia y factor de innovación, para evaluar aspectos productivos, funcionales aplicables a nivel industrial.
Panel MORPHO/génesis Naturaleza Concepto Práxis, tema central del evento. Fotos cortesía U. VERITAS.
Ramón Benedito recalcó que la naturaleza es una fuente de información para el desarrollo de nuevos materiales -naturales e inteligentes-, que no necesitan mayor mantenimiento porque aplican soluciones venidas del mundo animal y vegetal. Martín Rodríguez recordó los términos “sostenibilidad y sustentabilidad”, preguntando dónde estuvo el punto de quiebre que se olvidó de su impacto en la cultura del diseño. Carolina Rey expresa que quizás la Revolución Industrial en su afán de producir y comercializar insertó otras prácticas pero que de unos diez años para acá los diseñadores reflexionamos sobre esos errores volviendo al entorno y su significado para la vida.
La conclusión final estuvo a cargo del doctor José Joaquín Seco, Rector de la Universidad VERITAS, quien planteó un recuento y reflexión sobre el significado del diseño y su visión hacia el entorno como preocupación constante de la academia para alimentar el aprendizaje, la investigación y proyección social.
En conclusión a este abordaje se nos motiva a asumir una conciencia crítica en el uso de materiales o tecnologías y ampliar dicha conciencia hacia el consumidor quien es el que valore la situación en el momento de adquirir esas mercancías. La dinámica del evento en general fue intensa pero provechosa, se trata de esos espacios memorables y en los cuales se hace un alto en el día a día para escuchar, ver, cuestionar y aportar, para nutrirnos de los grandes aportes, en este caso de la naturaleza, para nuestra vida interior, cultura y práctica del diseño.
