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Luz Letelier y Pietro Stagno: Diseño de Productos
Entrevisté -en otro post este mismo año- a Luz Letelier y Pietro Stagno acerca de su exitosa participación en la Bienal de Arquitectura de Costa Rica 2012, en la cual obtuvieron el Gran Premio de la Bienal, el Premio al Paisajismo, y otro al Diseño Interior, por la solución de sostenibilidad e innovadora propuesta habitacional localizada en la zona costera del Pacífico Sur costarricense. Desde ese entonces surgió el estímulo por saber más del “set del desayuno”, mobiliario y juguetes producidos en su taller allá en las zonas altas de los cerros de Escazú, cercanas a la capital San José. En esa oportunidad, quizás lo que llamó más mi atención fue escuchar que uno de sus principales activadores es considerar ideas sencillas para rescatarlas en productos coherentes, que agreguen ese acento de lo propio en el diseño actual.
Luz Letelier y Pietrio Stagno, Set del desayuno. Fotografía cortesía de los diseñadores.
LFQ: Para aquella entrevista, entre otros, afirmaban su motivación por diseñar y fabricar productos domésticos, de uso cotidiano, dentro de su visión de lo sencillo. ¿Qué carácter ofrece ese conjunto de productos propuesto por ustedes para el desayuno?
Luz Letelier y Pietro Stagno: En Costa Rica, el desayuno, es una comida muy importante: tomar el café, comer el “gallo pinto” (mezcla de arroz, frijoles, acompañada por huevos fritos o revueltos, natilla, jamón, y no pueden faltar las tortillas). En la cultura local, dicho tiempo de nutrición significa una verdadera ceremonia donde alimentar el cuerpo, informarse del acontecer diario –escuchar las noticias o leer los periódicos-, estar en familia y prepararse para ir al trabajo. Nos decidimos diseñar un producto para ese espacio cotidiano.
LFQ: ¿Cuál es el significado central de “set del desayuno”?
LL y PS: Innovar los objetos en torno a las costumbres culturales, rescatando las tradiciones de antaño con un diseño muy actual, y utilizar materiales accesibles para un segmento popular tradicional. El “set” del chorreador de café, el objeto para hacer las tortillas -sirve también para preparar patacones-, y la huevera, entre otros, renuevan la imagen de lo folclórico sencillo, presente en las manifestaciones más arraigadas del costarricense.
LFQ: ¿Qué otro valor agregado distingue la propuesta?
LL y PS: Dicho “set” se comercializa desarmado dentro de un empaque adecuado al transporte y a la comunicación visual, en tanto se trata de un producto dirigido al mercado. La idea es que tenga algo más, que al sacarlo de la caja, el cliente lo arme, y sea parte de la acción de usabilidad del producto.
LFQ: Hablando de la estructura de mercado, ¿dónde se venden, qué experiencias comerciales ha tenido?
LL y PS: Participamos, por ejemplo en EXPOCASA; en esa feria se vendió toda la producción. Hemos tenido nuestra propia tienda en Escazú y se coloca en varios puntos. Es gratificante escuchar a las personas, por ejemplo a los viejos, expresar: –¿qué bien!, ¡hacerlo como se hacía antes! Eso agrega valor y se convierte en un intangible que alimenta la componente espiritual por la cual hacemos diseño, además de arquitectura.
Silla boomerang diseñada por Letelier y Stagno. Fotografía cortesía de los diseñadores.
LFQ: Respecto a la tecnología utilizada y los materiales, ¿En qué se proponen innovar?
LL y PS: Trabajamos para innovar con maderas recuperadas que nos permite hacer láminas, y junto con nuestro socio Carlos Meléndez, planeamos la fabricación de paneles utilizando maderas como la teca, el cedro, el pino, la melina. Nos posibilita reinventar uniones para tener láminas con diversidad de texturas, pero con la fortaleza de la madera sólida.
No dejamos de usar materiales como el playwood para fabricar lo básico, pero para las partes más visibles nos servimos de maderas más sólidas, como el cedro. Las mezclas mejoran el precio, accesible para capas poblacionales más amplias.
LFQ: ¿Con qué tecnología de punta cuentan en el taller?
LL y PS: Todo esto es posible pues contamos con una CNC, además se trabaja en conjunto con el ebanista, quien es muy experimentado. El equipo nos permite tener cortes precisos, uniones eficientes, mejorar acabados, rendimiento en tiempo y materia prima. El diseño está mentalizando para sacar provecho a la máquina.
Lámpara erizo diseñada por Letelier y Stagno. Fotografía cortesía de los diseñadores.
LFQ: ¿Diseñar productos les da lo necesario para vivir? ¿Se sienten satisfechos?, o, ¿qué problemáticas afrontan?
LL y PS: Es una situación compleja, por fortuna tenemos la arquitectura para apuntalar las entradas. Los productos llenan lo espiritual, aportan incentivos intangibles, motivación y deseos de innovar, pero económicamente no es suficiente.
LFQ: ¿Qué papel juega su profesión como arquitectos?
LL y PS: La arquitectura nos resuelve la vida. Nos gusta meternos en el taller motivados por un deleite espiritual, intangible, mezclado con el trabajo de arquitectos con exigencias de responsabilidad, investigación, y experimentación y la visión constructiva de llevar hacia delante un proyecto.
Camarita de juguete diseñada por Letelier y Stagno. Fotografía cortesía de los diseñadores.
LFQ: ¿Piensan en alguna estrategia?
LL y PS: Quizás llevarlos a otra escala, implantar otra estructura de fabricación y comercialización para perseguir mejores resultados; requiere más inversión, tiempo, y la asunción a estructuras industriales de gran complejidad.
LFQ: ¿Qué opción perciben como incentivo?
LL y PS: La atracción de clientes, compradores, buscar ofertas, tener créditos para invertir, mercadear, estar presente en las ferias. Y es que a pesar de haber créditos para las MYPIMES, los intereses subieron y hay que afrontar gastos en constante ascenso.
Juguete diseñado y fabricado por Letelier y Stagno. Fotografía cortesía de los diseñadores.
LFQ: ¿Les interesa entrar en el diseño y la producción de juguetes?
LL y PS: Participamos recientemente en un feria en Guatemala, pero los estándares de los juguetes para niños son muy estrictos en cuanto a ergonomía y sobre todo seguridad, obliga a meterse en el mundo de las certificaciones, todo eso representa una realidad que dispara los costos.
LFQ: ¿Por qué diseñar juguetes?
LL y PS: Los juguetes son productos que sacan una sonrisa a la gente, trae una carga motivacional distinta. Tal vez, a mediano plazo, se puede lograr algo más. La tecnología es una puerta abierta para ir tras otras metas y entre ellas nos motivan los juguetes.
LFQ: ¿Qué otras expectativas observan?
LL y PS: La Oficina Nacional Forestal nos encargó un stand para la feria “Viva la madera”. Esto nos lleva a pensar en la utilización de maderas nacionales como melina, y demostrar la asunción a los caracteres de la sostenibilidad.
Juego del laberinto, diseñado y fabruicado por Letelier y Stagno. Fotografía cortesía de los diseñadores.
LFQ: Para concluir con esta nueva entrevista a estos profesionales del diseño y la arquitectura, considero importante observar ¿en qué creen?, ¿cuál es la idea -su filosofía-, lo que seduce el accionar de diseñar?
A esta pregunta, Luz Letelier y Pietro Stagno responden: -Rescatar, jugar con el tiempo, darse el tiempito para vivir, por ello al comercializar el set del desayuno estimulamos al usuario a “haz tu desayuno”, “haz tus tortillas por tí mismo”, y “chorrea tu propio café”. La idea central es tómese el tiempito para jugar de armar, de engranar, y hazlo en interacción, entre padres e hijos, que incrementen la comunicación perdida por el uso desmedido de la tecnología actual.
Tratamos de estimular el juego, la sensibilidad humana, la motora fina, los juegos en familia. Estamos metidos en una constante investigación sobre lo lúdico al preguntarnos cómo jugaban los celtas, los romanos, los prehispánicos.
Luz y Pietro son profesores de la escuela de Arquitectura de la Universidad VÉRITAS, además de su trabajo profesional en su estudio, participan activamente en el medio cultural del país y el extranjero. Participaron en la primera Bienal Iberoamericana de Diseño de Madrid. Los hemos observado de cerca en su producción de componentes para el diseño interior tales como lámparas, separadores de espacios, ventanas y otros elementos que utilizan cuerdas, bejucos, semillas, hojas; notables son sus propuestas de mobiliario -como los del proyecto premiado en la mencionada Bienal de Arquitectura 2012-, además del uso noble de maderas para acrecentar esa carga de lo emocional que agrega valor y distingue sus proyectos de diseño.
El territorio común de la arquitectura
No sólo es Venecia una isla mágica con un encanto sólo superado por su impresionante e histórico entramado arquitectónico, sino que sirve de escenario para algunas de las manifestaciones artísticas más importantes del planeta.
A este ritmo el manifiesto milanés se verá obligado a cambiar de gentilicio, y es que el hecho de que las bienales de Venecia se sucedan año tras año, alternando el arte con la arquitectura, ha hecho de los jardines y el arsenal venecianos nuestro lugar de peregrinación preferido…¿quién puede resistir la tentación de desplazarse en tren por el norte de Italia a través de la meseta padana al menos una vez al año?
“El tema central de esta Bienal 2012, explica su director David Chipperfield, es aquello que tenemos en común. La ambición de Common Ground es sobre todo aquella de confirmar la existencia de una cultura arquitectónica constituida no sólo de talentos individuales, sino también de un rico patrimonio de ideas diferentes. Somos parte del deseo de enfatizar ideas compartidas mas allá de la creación individual; esto nos obligaba a activar diálogos en vez de seleccionar participantes independientes”.
Conviene aprovechar el sol de la mañana para visitar los jardines de la Bienal donde muchos de los países representados tienen su proprio pabellón permanente. El primero que encontramos nada más pasar las barreras de acceso es el de España, donde nos sorprendieron, entre un sinfín de instalaciones difíciles de entender agrupadas bajo el nombre de Spain-lab, las maquetas estructurales de Juan Carlos Sancho y Sol Madridejos, acompañadas de fotografías de gran formato de las obras finalizadas.
Pabellón español en los jardines de la Bienal
Uno de los siguientes pabellones es el holandés, donde una especie de telón formado por diversos materiales textiles, se deslizaba por un raíl cada cierto intervalo de tiempo, cambiando por completo la disposición de los espacios creados, el modo en que la luz penetra en los mismos, y sobre todo el modo en el que las personas circulamos en su interior. Un ejercicio de arquitectura conceptual que desde luego no deja indiferente a ninguna mente pensante. Con el nombre de Inside Outside, el estudio holandés Benthem Crouwel ha conseguido darle la vuelta al modelo tradicional de las exposiciones de arquitectura.
Interior cambiante del pabellón holandés
Muy elocuentes e ingeniosas las cuatro formas en los que diferentes grupos de una universidad americana interpretan de forma arbitraria la tridimensionalidad del plano bidimensional del Campo Marzio de Roma, del arquitecto veneciano Giovanni Batista Piranesi.
Arriba el campo Marzio de Piranesi y abajo las interpretaciones 3D de los estudiantes
El pabellón canadiense, con el título de Migrating Landscapes o paisajes migratorios, explica a través de una instalación realizada con maquetas posicionadas sobre estacas de madera, como en un planeta en el que cada vez los flujos migratorios se acentúan más, debería haber sitio y modos para que las diferentes culturas se adapten a sus nuevos contextos. Así vemos como en este paisaje creado por las elementos verticales de madera de diferentes alturas, se encajan construcciones de muy diversa tipología, pero que se integran perfectamente en su lugar de acogida.
Migrating Landscapes
Una de las salas para nosotros más intersante es aquella en la que se muestran proyectos de Toshiko Mori, que como ella explica en una entrevista, dialogan con proyectos de los más grandes de la arquitectura moderna como Mies Van de Rohe o Frank Lloyd Wright, a través de sus detalles arquitectónicos representados por maquetas a escala real.
Los detalles arquitectónicos de Toshiko Mori junto a aquellos que sirvieron de referencia
No faltaron a esta cita las super estrellas de la arquitectura global como Zaha Hadid, Norman Foster, etc, pero como de ellos ya sabemos muchas cosas, hemos decidido centrarnos en los “pequeños” proyectos que hicieron que también esta Bienal sea grande.
El león de oro a la arquitectura se lo lleva este año el arquitecto portugués Alvaro Siza.
La Bienal permanecerá abierta hasta el 25 de Noviembre. Más información en http://www.labiennale.org/en/architecture/
Alberto Negrini: Arquitectura y paisaje
El Arquitecto Alberto Negrini es profesor de la Escuela de Arquitectura, Universidad VERITAS, Costa Rica, especialista en diseño de jardines para múltiples espacios públicos y privados. Lo entrevisté con la idea de clarificar aspectos de naturaleza conceptual y técnica abordados en el proyecto de paisaje exterior o interior donde el arquitecto juega con otro carácter de estímulos visuales, sensoriales y perceptivos.
LFQ: ¿Qué distingue el buen diseño de jardines?
Alberto Negrini: Principalmente la sensibilidad o el estímulo a los sentidos, la sensibilidad hacia la naturaleza, es esencialmente la capacidad de establecer la relación con la naturaleza o con nuestro ser interno dado que el jardín es la forma inmediata con la que el habitante de la ciudad entra en contacto con la naturaleza, con el espíritu de la naturaleza, no se trata de copiarla, se trata de emularla, encontrar su esencia.
Fotografías cortesía del Arquitecto Albetto Negrini.
LFQ: ¿Cuál es el fruto del proceso de diseñar jardines?
AN: El fruto es primeramente un espacio agradable, capaz de llevarnos más allá o dentro de nosotros, es un espacio de calidad sensible, además un buen jardín debe permitir el goce estético, científico y filosófico.
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Fotografías cortesía del Arquitecto Albetto Negrini.
LFQ: ¿Cuál ha sido tu formación además de arquitecto, para diseñar jardines?
AN: Luego de licenciarme en arquitectura vino el estudio de Ecología, el entendimiento de la naturaleza y agrego, el sentir la naturaleza en todas sus partes y procesos, lo científico y lo vivencial; también numerosos cursos de planificación del turismo y de paisajismo, luego una maestría en Diseño del Espacio, el Producto y la Imagen; pero hay tanto académico como extra académico, leo mucho, observo, reflexiono, aprecio, medito, aprendo. Y por supuesto hacer jardines sensibles innovando y siendo creativos. Además creo que enseñar me enseña mucho.
Fotografías cortesía del Arquitecto Albetto Negrini.
LFQ: ¿Dónde encuentras los componentes o elementos con que diseñas?
AN: En la naturaleza principalmente, como ejemplo, busco qué es lo que la gente tiene en su mente, que es lo que desea. Trabajo tanto con materiales vivos como con materiales inertes, las plantas están asociadas con insectos polinizadores, con aves dispersoras; mariposas, avispas, orugas son parte del diseño. De igual manera rocas, arenas, troncos. Me siento vivo si estoy creando, innovando, pero también busco en la tradición, en la historia, en el lugar. Tengo una máxima: “El diseño nace del lugar”, el diseño no se impone, nace.
Fotografías cortesía del Arquitecto Albetto Negrini.
LFQ: ¿Qué representa el árbol dentro de ese proceso?
AN: El árbol es nuestro hermano, no solo es un ser vivo, es también una metáfora. No solo es un punto focal, es dramático, también es una escuela de supervivencia, de solidaridad. El árbol es un ser maravilloso que tiene su propio ritmo y sistema de vida, no está solo, vive en asociación con muchos otros seres vivos muy distintos, desde un ave, un mono o un insecto, a una bromelia, una orquídea o el musgo y los líquenes pasando por el suelo y las rocas, el agua, el aire y el sol.
Fotografías cortesía del Arquitecto Albetto Negrini.
LFQ: Al crear con plantas y árboles generas un cuerpo vivo, que respira y que vierte oxígenos renovado a la atmósfera. ¿Cómo se proyecta a las personas esa fortaleza del entorno, jardín, reforestación u otra para que las personas tomen conciencia de sus bondades?
AN: Ese es uno de los objetivos del diseño del paisaje, en primer lugar hay que acercar las personas al espacio, física o espiritualmente, que abra sus sentidos, su conciencia, es algo que no se puede dar verbalmente o por escrito, es una experiencia vivencial, para eso hay que abrir la mente y el corazón, abrir los sentidos.
Fotografías cortesía del Arquitecto Albetto Negrini.
LFQ: ¿Cómo se innova en ese arte?
AN: Igual que con cualquier otro arte o cualquier proceso metodológico, se innova no por el hecho de cambiar, sino para mejorar, para adaptarse mejor, para superarse. Entonces se innova estudiando siempre, viendo lo que pasa en el mundo entero, lo que pasa aquí, lo que hacen y piensan los estudiantes, lo que nos dice el lugar, si te das cuenta, el lugar es fundamental. Y claro, está el gusto de innovar y no de repetir, de copiar, yo siempre quiero crear.
Fotografías cortesía del Arquitecto Albetto Negrini.
LFQ: ¿Dónde encuentras los estímulos para afrontar un proyecto creativo de esa naturaleza?
AN: Para mí, el diseño es vital, no solo un arte y un método, es una pasión, es tan intenso que una sesión de diseño me puede agotar pero me siento lleno, pleno.
Los estímulos los encuentro en el propio proyecto, el lugar me transmite su energía, su fuerza. Además aquello en lo que esté reflexionando puede incidir en el diseño más las bases éticas, filosóficas, morales.
Fotografías cortesía del Arquitecto Albetto Negrini.
A manera de conclusión a este acercamiento a Alberto Negrini, arquitecto paisajista, quise indagar cuál es la naturaleza de esos estímulos con que él emprende el proyecto creativo de un “ente” que respira y a la vez purifica el aire, que embellece y mitiga tantas contingencias del vivir actual sumidos en una ciudad contaminada visual, sónica, atmosférica, entre otros determinantes que pide a gritos la intervención de un profesional con capacidad de mejorar su calidad y ofrecernos solaz esparcimiento.
