La Comunidad de Blogs
Costa Rica: 8 Bienarte 2011
Octava Bienarte, 2011
Bienal de Arte Contemporáneo Costarricense. Noviembre 2011 en la Galería Nacional, San José, Costa Rica
Ojear las propuestas de una bienal de arte contemporáneo, sugiere la existencia de una idea globalizada, signo de pertenencia a las convocatorias, sean nacionales o internacionales; es suficiente con ver las revistas, la web, videos, noticias en tv, y el amago divulgativo de las redes sociales. En algunos casos encontramos signos tan vacíos, como el pensamiento de sus creadores, en otros, esa carga de significados rebasa y hace memorable el encuentro. A mi –en particular-, me encantan los desafíos de la interpretación, disfruto cuando algo no me conecta y por lo general me dejo atrapar por el garfio de la insatisfacción que exige a ponderar su calidad; sucede cuando media experticia: dominio técnico, factura, y atractivo sustrato de la idea. Entro a las salas con cierta dosis de escepticismo, que es bueno, pues uno debe ser conquistado por la fuerza de lo expuesto, pero debe ser un desafío bonito, cuando una obra enciende las emociones: claves de acceso para mantener interés en todo el recorrido y así anclarse en aquellas propuestas que más nos animan.
Paulina Velázquez Solís y Travis Johns, "Multifungi+VSLS", performance e instalación. Fotografía L.F.Q.
El premio Bienarte y los jurados
Evento organizado por Empresarios por el Arte, consiste en ser seleccionado para participar en la siguiente Bienal del Istmo Centroamericano 2012, que en este caso se realizará en la ciudad de Panamá, y a la cual acudirán artistas de Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica y por supuesto Panamá, ahí tendrá lugar la premiación económica. La competencia es creciente, el arte de estos territorios ístmicos se posiciona y alcanza visibilidad internacional, así fue destacado por los integrantes del jurado Guadalupe Álvarez de Ecuador-Cuba, Sara Hermann de República Dominicana y el curador italo-brasileño Jacopo Crivelli.
Carolina Parra y Xavier Villafranca. Coleccionista. Instalación. Fotografía L.F.Q.
Álvaro Gómez. Mare Nostrum. Juego de mesa. Fotografía L.F.Q.
Catar sentidos
En la octava Bienarte se advierten esos forcejeos sociales presentes en la vida actual, pueden ser simples o complejos pero inyectan desasosiego: identidad sexual, en el caso de la instalación de Roberto Guerrero; nociones de territorialidad, Yamil de la Paz García con su instalación “Espacio tiempo”. Heridas por pugnas regionales que se vuelven juego inefable entre identidad, idiosincrasia, política, susceptibilidad y roles sociales, en el juego de mesa “Mare Nostrum” de Álvaro Gómez; y el objeto muy bien articulado y fabricado, “Mejenga” de Joaquín Rodríguez del Paso, quien recrea el “futbolín” en un mueble con forma de geografía del istmo centroamericano. También deleita la estimulación sensorial de la instalación “Multifungi+VSLS” y “Raro”, presentadas por Paulina Velázquez y Travis Johns, con una fusión tersa que agita esos holones flotantes en el espacio de la Galería Nacional.
John Juric. Silla de espera. Acrílico sobre tela y documentación del proceso. Fotografía L.F.Q.
Elena Wen, On & On & On. Animación. Fotografía L.F.Q.
Me encanta la pieza de Francesco Bracci titulada O.I.E.N, en tanto aduce que la intemperie fue la autora de su intervención a esos metales dejados en distintos sitios para afectarlos y que revelaran la acción creadora de la misma naturaleza. Evoco otra pieza suya expuesta en “Cuadriláteros o el ring del cotidiano”, Instituto de México, 2005, en la cual exhibió una lámina de hierro de un metro cuadrado, la cual había sido (de)formada por la connotativa acción de golpes de maso.
Francesco Bracci. O.I.E.N Objeto. Fotografía L.F.Q.
Me ancla profundamente la instalación “Coleccionista” de Carolina Parra y Xavier Villafranca, cuando la propuesta es creíble uno siente su realidad, es acumulación de objetos con una sintaxis propia de quien los ama, quien es –como diría Yourcenar-, “catador de belleza” y termina encontrándolos donde quiera. Evoco a algunos referentes cercanos como Rolando Castellón, y por el manejo de la luminosidad y espesura, con Carlos Capelán.
Es notable la pieza de Elena Wen, “On & On & On”, anima en tanto los recursos son simples pero bien hilados, invita a exponerse al enganche que lanza esta joven artista.
Interesantísima, por el manejo innovador de materiales acrílicos es la pieza de John Juric, “Silla de espera y documentación del proceso”; la idea refiere a un tiempo de “espera (des)esperanzada” en un hospital capitalino, tiempo afectado y terrible que engulle hacia la introspección: ver hacia nuestros adentros que a veces se hacen tan enormes como el exterior.
Joaquín Rodríguez del Paso. Mejenga. Objetos. Fotografía L.F.Q.
Había dejado para comentar al final la pieza de Roberto Guerrero, “¿Por qué sos tan loca? Porque me da la gana”, aunque fue la primera que encontré en mi visita a la bienal, y porque soy uno de esos que dejan lo mejor de la vianda para la última cucharada, encendió ese espíritu mío de “bloguero” de comentar y compartir, pues resume lo expresado de una buena obra de arte actual: factura, que va desde tener que estructurar y construir una pared para cargar de sentido al concepto, para que sea creíble y que motiva a que uno se acerque para indagar dónde está el detalle; además trueca en jocoso y desenfadado el tema central del concepto, y lo hace con astucia, dominio, saber hacer y paciencia para lograrlo.
.jpg)
Roberto Guerrero. ¿Por qué sos tan loca? y ¡Por qué me da la gana! Intervención objetual Fotografías Camile Zurcher
Roberto Guerrero, desde hace tiempo nos viene demostrando sus facultades, quizás por ello repite ya en tres ocasiones como artista seleccionado por sus cubiertas de revistas, el “Guerrero delicado” y otros “petardos” que inyectan la contradicción, la incertidumbre, la contingencia en temas que atañen a la personalidad, a la reflexión ante el arte, cuyas intervenciones -en el caso de Guerrero-, terminan por subvertir hasta las posturas más rígidas, que no dejan de sorprenderse por el logro e incluso hasta los más escépticos quienes se obligan a no dejarse afectar, pero que en el rostro persiste cierto gesto de ánimo que delatan sus labios y miradas.
Abierto de Cerámica Costarricense
La milenaria técnica de fundir el barro al fuego para fabricar objetos utilitarios o artísticos, sigue conquistando espacios en el arte y el diseño actual, el Abierto de Cerámica en su primer edición, abrió su espectro a diversas posiciones para observar la cerámica desde distintas miradas: desde lo utilitario y artesanal, a lo artístico, escultórico, instalación y ensambles con diversos materiales, sin que faltaran las ojeadas a los ancestros prehispánicos que cultivaron con esplendor este arte.
Ivette Guier Serrano es una reconocida ceramista en el medio costarricense, destacada docente e investigadora de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica. La hemos visto trabajar arduamente organizando las anteriores bienales de cerámica en el país, además de salones y otras muestras que hacen brillar dicho espectro; hoy en día, con el apoyo del Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ), y el Museo de Arte Costarricense (MAC), la Cátedra de Cerámica de la Escuela de Artes Plásticas -la cual ella coordina-, organiza con éxito este Abierto de Cerámica Costarricense.
Miriam Araya Zeledón, “Silencio”, placas. Fotografía LFQ.
LFQ: Quizás por estar sumidos en una crisis económica, de valores humanos, sociales, culturales, que tanto impactan, nuestra sensibilidad para gozar el arte y el diseño es afectada por zozobras y preocupaciones que nos envuelven a todos y en todo el mundo. ¿Hemos perdido la capacidad de sorprendernos? Cuando digo sorprendernos, hablo de esa posibilidad e “animarse” que enciende en nosotros un buen diseño o una obra de arte. Quisiera indagar con Ivette ¿qué le sorprende en cuanto a calidad, originalidad y logro técnico del evento?
Ivette Guier: En realidad no existe el elemento sorpresa, porque hemos podido seguir y observar año a año la evolución de las propuestas. Aunque por ser un evento tan abierto, sí se esperaba recibir obras en donde el objeto pudiera no ser completamente cerámico, quiero decir, donde posiblemente la pieza principal estuviera bizcochada y luego intervenida por otro material no cerámico como pinturas acrílicas, u otros materiales, o piezas elaboradas con pinturas y moldes comerciales. Esto se dio poco, predomina la cerámica más expresiva, con calidad, y esto es una buena señal.
Clarence Ross, “Neptuno”, gres. Fotografía LFQ.
LFQ. ¿Cómo nace un evento de estas características? ¿Qué estrategias idearon para una convocatoria tan variada?, y, ¿Qué desprenden en términos de nuevos retos para el futuro?
IG. Las cosas no se dan por casualidad, este evento es el reflejo de toda una serie de actividades que se han estado efectuando desde el 2004, con cuatro bienales, y exposiciones temáticas que se han ido alternando con las bienales. La evolución de estas ha sido muy positiva, y el hecho nos llevó a la idea de revivir las bienales centroamericanas y del Caribe, que se llevaron a cabo entre los años ochentas y noventas del siglo pasado.
Quisimos reunir por medio de una convocatoria a todos los sectores que trabajan la arcilla y el fuego en este país, para poder establecer un diagnóstico, y trazar una buena estrategia y logística que nos conduzca hacia la mejor organización de nuestro próximo evento con miras a intercambiar experiencias con Mesoamérica y el Caribe.
Ivette Guier Serrano, “Abrigo”. Fotografía LFQ.
LFQ. Ivette, respecto al abierto, ¿Cómo sostenerlo o hacerlo crecer?
IG. Solamente trabajando se sostiene y se provoca el crecimiento de un espacio de esta naturaleza, cada evento nos brinda diferentes experiencias que nos llevarán a diferentes propuestas.
Platón trípode de Gerardo Selva Godoy. Fotografía LFQ.
LFQ: Por lo general, cuando un acontecimiento crece, otro decrece. ¿Cerró la Bienal de Cerámica?
IG. La Bienal podría transformarse en Salón Nacional, el término no significa un cambio, lo que sí es importante es que no se deje de hacer, tanto el artista como el espectador lo esperan y sería volver atrás si se corta el proceso. El solo hecho de traer un ceramista para que comparta sus experiencias con nuestro medio, es un refrescamiento que estimula a todos a seguir creando.
María José Salazar, “Perezosos”, técnica manual al horno primitivo. Fotografía LFQ.
LFQ. ¿Qué logros aprecias? ¿Satisfacción o desencanto?
IG. Las satisfacciones y logros son muchos, el solo hecho de estar todos reunidos, poder conversar entre nosotros, poder hablar de nuestros problemas y buscar soluciones. Escuchar y compartir con un artista cubano como Nazario Salazar que relata sus experiencias y señala las diferencias y similitudes, observar su forma de expresarse con la arcilla y el empleo de diferentes técnicas, se aprende mucho y esto nos motiva en nuestra creación personal y grupal. Compartir con Steve Scagnelli -otra realidad muy diferente-, aprender otra manera de tornear y enriquecer las superficies de las formas con técnicas en diferentes tipos de hornos, es otra aventura de aprendizaje.
María Elizabeth Castro Aguilera, “Plato con cocos”, placas. Fotografía LFQ.
LFQ. ¿Qué más podemos esperar de Ivette Guier y de la Cátedra de Cerámica de la UCR?
IG: La Cátedra de Cerámica de la UCR se ha esforzado desde sus inicios, primero con Cecilia Fonseca que fue quien la fundó y luego Xinia Marín y mi persona estuvimos empujando por hacerla crecer y preocupándonos por formar a buenos ceramistas. Esta razón asegura que la nueva generación que actualmente conforma un equipo preparado y comprometido y que junto con Eric Hidalgo -como actual director de la Escuela de Artes Plásticas-, seguirán impulsando el desarrollo de este nuestro arte.
Alexander Chávez, “Coca-x”, mixta. Fotografía LFQ.
LFQ. ¿Qué significa hacer arte cerámico dentro de la perspectiva actual del arte contemporáneo?
IG. Aquel que entra en contacto con el barro y el fuego y logra entenderlo profundamente, establece un compromiso con este por siempre; así he oído hablar ya a importantes ceramistas. Para nosotros el acto creativo y lo que conlleva es el mejor regalo, y creamos por el simple gusto de vivir esa maravillosa experiencia. El compartir el resultado de esa vivencia, también resulta importantísimo porque a través de esta logramos comunicar nuestro pensamiento. A lo largo del desarrollo de la cerámica contemporánea en Costa Rica y en el mundo, la problemática de su aceptación como un arte no ha sido fácil. Por esta razón nos dimos a la tarea de plantear el proyecto ante la Vicerrectoría de Acción Social de la UCR que titulamos “Difusión del Arte Cerámico Nacional”, que desde el 2006 está vigente y que a mi criterio ha dado muy buenos resultados, formando un concepto diferente ante el público común y ante la comunidad artística. Ahora depende de nosotros mismos de insertarnos a la diversidad de concursos, eventos, etc, que se desarrollan en el país y en el mundo.
Mónica García y Viviana Araya. Fotografía LFQ.
Mi apreciación y qué me gusta del abierto
El Abierto de Cerámica, inaugurado el 28 de setiembre pasado, no es solo esta exposición montada en la Casa del Cuño de San José y por el cual media este acercamiento con una de sus principales propulsoras: Ivette Guier; la muestra es parte de un octubre de charlas, encuentros, talleres con ceramistas nacionales e internacionales e invitados para la ocasión, donde participan incluso las comunidades que se distinguen por hacer del artesanado cerámico y los talleres de familias ceramistas -como las de Santa Ana, Guaitíl, San Vicente de Nicoya, entre otros-, un medio creativo para ganarse el sustento y dignidad, además de cultivar una expresión vernácula de enorme trascendencia como memoria y cultura material del país.
Amilkar José Palacios, “Tezcatlipoca”, modelado a mano. Fotografía LFQ.
Desde mi criterio de observador de este y otros acontecimientos en el escenario creativo local, quizás disfruto más aquellas piezas de carácter minimalistas, utilitarias, de técnica y buen diseño, como “Neptuno”, gres de Clarence Ross; la pieza “Perezosos”, técnica manual en horno primitivo de María José Salazar, quien además obtuvo el Gran Premio de la Cuarta Bienal de Cerámica Costarricense, setiembre 2010; por lo jocoso de la forma y tratamiento, me encanta la pieza “Cochinos” de Viviana Araya; las dos obras, por supuesto, de Ivette Guier que se mueven en una desfragmentación de los componentes que anidan “el reposo de la avecilla” que ella titula “Abrigo”; pero también me cautiva la pieza “Silencio” de Miriam Araya por esas manos de tectónica severa sobre camas de arena marina, que acuden a la escena del arte sin hacer alardes del espíritu de dar y recibir que necesitamos tanto hoy en día; me gusta el “Plato de Coco” de María Elizabeth Castro; me mueve a reflexionar ese corazón puesto, quizás ceñido por el olvido sobre una silla, de Mónica García, y las múcuras de la nicoyana Maribel Sánchez Grijalba; así como las remembranzas lúdicas de la cerámica autóctona mesoamericana de Gerardo Selva Godoy, entre otras.
Casa del Cuño y vista parcial de la sala.
No quisiera concluir sin externar mi satisfacción para con esta convocatoria, que emerge con experiencia y rigor. Quizás, me inquieta la necesidad de que acuda alguna “curaduría” que amplifique el sentido del abierto, pero que es eso: un abierto, en cuyo intersticio opera la libertad y sensibilidad de muchas personas creativas.
Priscilla Aguirre: “Miss Revistas”, gestos de desenfado
La Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), entre el 6 y el 28 de octubre 2011, ofrece la muestra de la artista gráfica Priscilla Aguirre titulada “Miss Revistas”.
El arte gráfico es cultivado hoy en día con gran astucia; los artistas poseen a su haber un verdadero laboratorio de experimentación y creación de la imagen, con cada vez más ingeniosos procedimientos que encienden la perspicacia -no solo del creador-, sino también del receptor de sus propuestas que siente venir sobre sí ese fogonazo de la creatividad. La animación, el collage, la ilustración experimental, la intervención de imágenes impresas, el video, la fotografía, la fotocopiadora, el escáner, la serigrafía, e incluso hasta el pincel, el lápiz de siempre, los marcadores, son algunos de esos instrumentos y materiales comunicativos que se vuelven portadores de los signos de actualidad.
Muestra "Miss Revistas" de Priscilla Aguirre, Sala 1.1 del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. Fotografías cortesía del MADC.
Las revistas, dirigidas a muy diversos segmentos poblacionales, entre otras, las femeninas, son un soporte gráfico que da contenido a todo un imaginario del cual se ha servido el arte, el cine, la televisión, la publicidad, la moda, para entronizar patrones estéticos y discursos a veces ataviados con el glamour, el sentido de la moda, el lenguaje no verbal o kinésico de las poses o, incluso, sugieren acentos para pronunciar las mismas palabras que hablamos todos, en ocasiones dichas en otros idiomas -sobre todo en inglés- en una especie de acercamiento de pertenencia a determinados grupos sociales.
.jpg)
De la serie Aves del paraíso 2011. Fotografía cortesía del MADC
Las revistas femeninas
Hablan de una parafernalia, sensibilidad, y simbolismos propios de una mujer que asume roles sociales cada vez más representativos, o si se quiere, de poder. Priscilla Aguirre se sirve de todo ese material tan cargado de interpretaciones subjetivas, para reinventarlos, recrearlos, desenvolviendo nuevas significaciones dentro de lo irónico, jocoso, juguetón, donde se acuña el gesto del desenfado. Me la imagino sumida en su estudio, recortando, pintando, dibujando, pegando, escribiendo sobre esas impresiones o descubriendo palabras que la sorprenden, la hacen reír o evocar, y que subraya con la idea de apropiarse de su lenguaje para criticar, o simplemente, hacerlos suyos. En el fondo, pienso, que ella redime el “ser” y “hacer” de sí misma -el “my self”, temática de una de sus series-, vínculo con lo que somos, deseamos, amamos, añoramos; por ello llama a su propuesta “Miss Revistas”, en un sentido de extrañamiento de lo que es mío y que abre hacia los demás en un guiño de la mirada, o coqueteo dirigido al otro margen de la retina.
Vistas de sala. Fotografía cortesía del MADC.
La sala de la incertidumbre
Me encanta esta alternativa que abrió el MADC al arte emergente, o a artistas y diseñadores abiertos a la experimentación, la investigación, y a propuestas que deseen romper paradigmas añejos, o por el contrario, un ambiente relajado para que corran las brisas de lo desconocido, de lo que no sabemos, pero que se presenta como un lindo desafío. Se ingresa a la sala y se lee “Miss Revistas” y nos encontramos con varias vitrinas donde observar revistas y collages, además, dos proyecciones en las paredes y las cédulas de las piezas que los anclan en el terreno de lo incierto: “Calendario: De la serie Aves del Paraíso”, 2011, “Portadaself: De la serie Livinheltsheip”, 2006, Portadavogueespaña: De la serie Moss-trosas”, 2010. Entonces, no nos queda más que preguntarnos, ¿qué me quiere decir la artista con esa animación que recreó la curaduría del MADC, basada en páginas de sus revistas y un collage de fondo sobre un anuncio de Gucci, al cual superpone imágenes que brindan movimiento e interés, pero que abre aun más la brecha (en sentido positivo) entre lo que yo interpreto y lo que ella -la artista-, nos quiere decir? Pero, sumido en esas aguas borrascosas, uno se pregunta: ¿Qué me provoca? ¿Qué significan esas palabras en el museo tan cuidadosamente montadas y elaboradas? ¿Moss-trosas? ¿Se refierirá a las infantas?, o, ¿a las “misses”, o “barbies”, o a esas reinas bulímicas y anoréxicas que coronan cada año con los mayores desplantes de la fogosa publicidad?
Portadaself.jpg: De la serie Livinheltsheip 2006.Fotografía cortesía del MADC
Portadavogueespaña.jpg: De la serie Moss-trosas 2010-11. Fotografía cortesía del MADC.
De inmediato viene la reacción, el río de la interpretación del arte lo torna revuelto; hay que esperar que sus aguas apacienten para que deje ver la riqueza de su fondo, y que se transparenten las texturas de los significados.
Algunas de las piezas de la muestraque se exhiben en las vitrinas, fotografías cortesía del MADC.
Es un PROCESO, me dije, un encadenamiento de ideas que, en tanto están constituidas por holones, surcan el espacio de la sala y algunos se posan en nuestro aparato perceptor para hacernos sentir, primero, luego construir. ¡Brava Priscilla!, expresé para mi mismo en el silencio de la sala –no habían abierto el MADC, me colé por la entrada de las oficinas. ¡Qué buen manejo del gesto de la incertidumbre que vuelve fuertes esas propuestas, dichas con gracia y actualidad!
