El diseñador gráfico vallecaucano Carlos Duque nació en la ciudad de Palmira, Colombia, en 1946. Desde muy joven su gusto por la caricatura y los dibujos de biología mostraron su inclinación hacia las artes. Graduado en dibujo y pintura en la Escuela de Bellas Artes de Cali, ingresó a estudiar fotografía en el Art College of Design, Los Angeles, California, entre 1969 y 1971.
A su regreso a Colombia en 1972, Carlos se vinculó como director de diseño de agencias de publicidad, en Cali. A partir de ahí realizó numerosos afiches de cine, teatro, campañas políticas, diseños de portadas de revistas y libros; y también incursionó en la creación de logotipos para empresas y productos, símbolos y juegos. Carlos pone siempre sus conocimientos de los adelantos en el campo de la fotografía y en el de la impresión al servicio del diseño. En sus afiches de las campañas políticas, que dieron un viraje a las campañas publicitarias, se plasman sus conocimientos de ilustrador y dibujante.
Su oficio profesional en el campo publicitario ha sido complementado con la actividad artística en la que desarrollado distintos proyectos de fotografía y diseño, cuya obra ha sido expuesta en museos y galerías en Colombia y otros países. Carlos ha dictado múltiples conferencias y talleres relacionados con los temas de creatividad publicitaria, diseño gráfico, fotografía y comunicación política en distintas universidades del país y el exterior,
Actualmente es director de Duqueimagen, empresa especializada en proyectos de comunicación institucional, publicidad política e imagen de empresas públicas y privadas.
¿Cómo fueron tus primeros pasos en la carrera del diseño en tu país? En otras palabras, ¿cuál fue la percepción de este trabajo en ese momento?Mi pasión por la imagen visual se remonta a mi infancia. Todo empezó por la fascinación con los comics: Disney y superhéroes – fueran humanos, extraterrestres, o animales que tenían el poder de hablar y narrar el mundo con humor – eran mis preferidos. A los 12 años dibujaba historietas de vaqueros que vendía a mis amigos. Más adelante en el colegio, me destaqué por mis dibujos y caricaturas y, como era pésimo para las matemáticas, intercambiaba tareas de números por ilustraciones para tareas de biología. Así que no adquirí competencia para los números y mis compañeros jamás aprendieron a dibujar. Pero aún hoy pienso que es el trueque ideal, porque nos permite a los diseñadores ser los aliados perfectos de empresarios e ingenieros.
A los 16 años, estimulado por mi madre -que imaginaba mi futuro como un gran artista- ingresé a la escuela de Bellas Artes de Cali para estudiar dibujo y pintura. En mi sueño asumí el papel de pintor: quería ser como Picasso o Dalí. En aquella época el mundo del diseño no figuraba en mi radar como un oficio del cual pudiera vivir.
El diseño gráfico lo descubrí cuando llegué al poderoso mundo de la publicidad, que es el oficio del que realmente he vivido y que me ha permitido conocer todos los lenguajes y caminos de los medios de comunicación desde el papel de creativo publicitario. Allí entendí que mi verdadera vocación no era la pintura, sino la creatividad visual.
¿Se reconoció la importancia de este trabajo?
En aquel entonces ser diseñador gráfico era un oficio exótico. La publicidad tenía la ventaja de ser el sitio de encuentro de arquitectos, ilustradores, poetas, actores, escritores, fotógrafos, cineastas, caricaturistas y, por supuesto, pintores.
Los departamentos creativos de las agencias de publicidad eran las modernas cocinas de imaginación mediática, tenían el poder de sorprender a las audiencias con propuestas e ideas que lograban salir a la luz pública sin verse sometidas a la dictadura de los algoritmos de los departamentos de mercadeo de las empresas. Todo se basaba en el poder de la creatividad como el gran lenguaje de la seducción.
¿Cómo era el entorno cultural de tu país en este momento?
Mi adolescencia transcurrió en la ciudad de Cali que, en los años 60, se convirtió en el centro de reunión del mundo cultural del país, gracias al Festival de Arte que entonces se celebraba todos los años y reunía a la vanguardia del arte y la cultura latinoamericana. Recitales de poesía, teatro, exposiciones de pintura, escultura y fotografía, conferencias, conciertos y conversatorios sobre literatura y cultura.
El Festival de Arte era el escenario de la inteligencia y la alucinación, donde los jóvenes teníamos la oportunidad de participar como público y protagonistas. La cultura y el arte estaban muy influenciados por las tendencias disruptivas de los movimientos literarios e intelectuales Existencialista y Nadaista, liderados por Sartre en Francia y Gonzalo Arango en Colombia, en una combinación explosiva con la revolución cubana. Soñábamos con salvar el mundo, un mundo que no logramos cambiar pero que transformó nuestras vidas, para bien o para mal.
En ese momento, todo el trabajo de diseño se realizaba manualmente. ¿Crees que con la llegada de las computadoras has perdido algo, o crees que la esencia del diseño sigue siendo la misma, sin importar las herramientas?
El tránsito entre la era artesanal del diseño, donde el lápiz, los marcadores, el Letraset, el compás, el curvígrafo, el pantógrado, rapidógrafo etc, eran las herramientas del diseñador. El salto de la era digital dominada por los computadores, constituye la gran revolución del diseño ya que delega en la tecnología los aspectos técnicos formales a herramientas digitales que están al alcance de todos.
Los computadores y los instrumentos digitales, en general, han democratizado el mundo del diseño gráfico, fortaleciendo el aspecto creativo por encima del valor meramente estético.
En mi caso la irrupción de la era digital ha significado una segunda oportunidad de supervivencia profesional, no solo con relación al diseño, sino en el campo de la fotografía, que es mi segundo idioma visual.
¿Crees que tu trabajo podría haber sido diferente si hubieras tenido acceso a todas las herramientas tecnológicas que tenemos hoy? ¿O no cambiaría en absoluto?
Predecir el pasado es una ciencia difícil. Pero creo que el hecho de haber tenido que transitar los lenguajes académicos y técnicos tradicionales ha sido fundamental en mi carrera, porque fortalecieron en mi ADN el método creativo basado en el arte y la poesía. La tecnología me ha liberado del lápiz, el pincel y de la fotografía analógica, y me ha permitido centrarme en la idea. No siento nostalgia de ese hermoso pasado de la imagen.
Mirándolo ahora, si pudieras, ¿hay algún trabajo propio que hubieras cambiado o hecho de otra manera?
Toda obra es inconclusa, es decir, es susceptible de ser mejorada o modificada. Una idea tiene infinitas posibilidades de ser expresada, sobre todo mirada en el transcurso del tiempo. Pero en general me siento satisfecho con las versiones de mi trabajo.
En mi juventud tuve una necesidad vital de consumir revistas internacionales y publicaciones de diseño, como Graphis, Idea, Novum y otras, ya que en mi país (Brasil) no teníamos nada local. ¿Cómo ha sido esto en tu caso particular?
Cierto. En los años 70 estas revistas tuvieron gran influencia en la educación de gráfica de nuestros países, con referentes como Milton Glaser, Seymour Chwast, Jan Lenica, Jean Michel Folon, Tadanori Yokoo, entre otros.
En mi caso particular, los anuarios de diseño gráfico japonés jugaron papel definitivo. Pero diría que mi principal fuente de inspiración creativa ha sido los grandes maestros del arte moderno: Magritte, Matisse, Van Gogh, Dalí, Picasso, Warhol, Lichtenstein…
¿El término «diseño», aplicado a todo y a todos, incluidos los nuevos edificios residenciales, parece una trivialización de esta profesión?
“Diseño” es un concepto contemporáneo obligado para la gran mayoría de las actividades humanas. El “design thinking”, que tiene origen en el Bauhaus y se ha popularizado como método innovador gracias al diseño industrial, llegó para quedarse. Es el concepto de diseño centrado en el trabajo de equipos multidisciplinarios basado en las necesidades de las personas. Es un método de pensamiento creativo que contempla no solo el desarrollo de productos sino de estrategias.
Yo diría que más que trivializar el oficio, el pensamiento de diseño lo ha elevado al nivel de una ciencia que reúne ingeniería, neurociencia, sociología, mercadeo, arte y creatividad al servicio de las necesidades humanas.
Hoy me parece que hay un total desinterés de los jóvenes por la información, el conocimiento, etc. Milton Glaser decía que los estadounidenses desconocen todo lo que sucedió hace más de 5 años. Es un hecho que estamos viviendo un desastre cultural, no solo por lo que se ofrece sino también con indiferencia por parte de los jóvenes. ¿Cómo lo ves en comparación con otras épocas?
Cada época trae sus retos y avatares. Yo diría que hoy los jóvenes centran sus intereses más en las experiencias que en el conocimiento y la información, tal como han sido concebidas por generaciones anteriores. La llegada de la era digital nos instaló en el vértigo de lo efímero, de las redes sociales, de la información desechable, lo cual implica que la civilización se enfrenta al desafío de construir una nueva cultura que integre la educación con el poder del mundo digital y el ímpetu de los jóvenes. Nos está atropellando el futuro.
La pregunta clásica: si tienes algún consejo que dar a la nueva generación de diseñadores, ¿cuál sería? ¿Y por qué?
Yo compartiría con la nueva generación de diseñadores el consejo que me dio una buena amiga hace algunos años: “crear y no creer”. Imaginar el mundo con alegría y generosidad, y tratar de hacerlo realidad sin egos ni pretensiones intelectuales.
Diseñar es bailar con todos los lenguajes de la imagen.
Muy buena la entrevista y sobre todo la muestra de las obras de Carlos . Muchas gracias por compartirlas.
Buena entrevista de Felipe y buenas respuestas de Carlos (siempre activo, actual y claro).
Gracias a Experimenta
Saludos
Diego G-RR