Hernán Rodas nació en Cuenca, Ecuador, en 1943. Él se ordenó en el año 1967, y su encuentro real y entrañable con Jesús ocurrió en su extensa parroquia de Pucará, Shagly, Pijilí y Ponce. Hernán formó parte del grupo Syrma, en Cuenca, con poetas, literatos, pintores, escultores para realizar eventos artísticos y denunciar al núcleo de la Casa de la Cultura, que mantenía la actividad cultural dentro de impenetrables y enigmáticos muros institucionales. Sin ninguna formación artística, él siempre estuvo abierto a la sabiduría y talento de grandes artistas en Syrma.
En el año 1972 participó en el concurso nacional de pintura y dibujo “San Jorge” de Barcelona, ganando el primer premio en dibujo. Además, se incorporó al equipo de traducción de la Biblia para América Latina, aportando comentarios a los textos bíblicos desde el contexto histórico de la realidad de su región, ilustrando con abundantes imágenes de sus pueblos.
Hernán posee un archivo de más de 600 dibujos elaborados para la Cooperativa de Ahorro y Crédito Jardín Azuayo, de Cuenca. Recientemente la Cooperativa adquirió a Hernán todo este archivo de obras que el había creado para esta institución. Además de eso Hernán ha formado parte de muchas organizaciones locales, entre ellas UROCAL (unión Regional de Campesinos del Litoral) y CECCA (Centro de Educación y Capacitación de Campesinos del Azuay).
Hernán merece una distinción, pues a lo largo de su vida ha estado alimentando las economías comunitarias que encarnan e inspiran la solidaridad, la humanidad, la prosperidad, la diversidad y la belleza. Siendo una persona sinceramente humilde, Hernán es nada menos que una figura importante en los campos de la pedagogía crítica, el desarrollo humano y la innovación social, y un destacado defensor de un enfoque ético para gobernar el capital productivo.
El nunca vivió en la ciudad, siempre estuvo inserto en la cultura y el ambiente campesino. Actualmente Hernán reside en el cantón Paute.
Agradecimientos a Pablo Iturralde y Jimmy Alfonso Clavon Codena por hacer de puente con el maestro y toda la ayuda en este proyecto.
¿Cómo fueron tus primeros pasos en la carrera del diseño en tu país? En otras palabras, ¿cuál fue la percepción de este trabajo en ese momento?
No tengo ningún estudio sistemático en arte, diseño o pintura. Mi primer acercamiento ordenado se dio al elaborar mi tesis en la Universidad de Santo Toribio en Lima, Perú, en 1969, en la Facultad de Teología con el tema “Misterio, comunidad y arte sacro”. En el año de estudio en el Perú y Bolivia me enriquecí con la amistad de Raquel Jadorosky, poetisa, escritora, animadora del movimiento de América Latina de poetas, dibujantes, filósofos y pensadores críticos que mantenían los movimientos del Corno Emplumado, Nadaismo, Tzantzaicos y Syrma. Asistí a eventos académicos en Chile, Brasil, México, y en mi estadía en Europa -sobre todo en España y Francia- me alimenté de las corrientes de arte en museos, Bienales, etcétera.
Pude vivir los años 70-73 dibujando, pintando, de la música, guitarra, participando en concursos, ganando el primer premio en el concurso de pintura y dibujo de San Jorge en Barcelona y otro de afiches en Madrid. Me invitaron a ser parte del equipo que preparaba una nueva edición de la Biblia – guardando las exigencias científicas, pero desde la lectura de la historia, mitologías y vivencias de nuestros pueblos.
El trabajo que me encargaban significaba una lectura total de la Biblia escritos a máquina: estudios de los 73 libros traducidos del hebreo y el griego. Me correspondía la presentación de los textos traducidos, extensión de los textos, tipos de lecturas, extensión de los comentarios a cada libro. Dibujo de 70 ilustraciones de cada libro, selección de 30 fotografías de la situación de la vida del pueblo Latinoamericano. Espacios para 24 páginas especiales con temas de ilustración, información, orientación pastoral, 7 mapas de ubicación histórica. El equipo central estaba compuesto de exegetas, teólogos, pastoralistas, conocedores de la realidad del continente y de la necesidad de un texto que tome en cuenta el contexto de pobreza, de relecturas más allá del centralismo europeo, de una iglesia sacudida por la crisis civilizatoria. El trabajo requería responsabilidad, profundidad, tenacidad, recursos y dedicación a tiempo completo, con la coordinación de Bernardo Huranlt. Las imágenes, diseños, ilustraciones en ese tiempo en la iglesia era pietistas, devocionales, dulzonas, barrocas, dogmáticas. Por las razones expuestas, la Biblia Latinoamericana fue prohibida por Conferencias Episcopales que le calificaron de ser parte de un plan comunistas a nivel continental.
¿Se reconoció la importancia de este trabajo?
Al momento del lanzamiento de la primera edición, en 1973, se dieron dos reacciones: la condena de sectores de la Iglesia jerárquica y el aplauso y plena aceptación de movimientos laicales, pastorales de lectura popular de la Biblia, teólogos y grupos organizados de América Latina.
La filosofía y teología de la liberación se fortalecieron, traducida al quechua y aimara. Se realizó una edición francesa autorizada desde el África y luego la publicación de más de 1 millón en China.
¿Cómo era el entorno cultural del país en ese momento?
Los años 60-70 vivimos un despertar cultural fuerte en el Continente y en Ecuador. Este mes se conmemoraron 30 años de la muerte del compañero Agustín Cueva y se reeditó su libro Entre La Ira y La Esperanza – libro fundamental para entender el contexto cultural ecuatoriano y que, a pesar de los años pasados, sigue siendo palabra nítida, iluminadora y necesaria. Descifra el sentido de la expresión literaria, teatral, pictórica, arquitectónica y su respuesta a los problemas derivados de la migración, urbanización y modernización de ciertos segmentos de la sociedad. Su tesis central insiste en que el hecho colonial bloqueo la formación de una dinámica relacional entre el habla social y la lengua de la cultura, se desarrolla de espaldas a la realidad nacional. Su crítica audaz, irreverente y apasionada fue, para quienes participamos en los movimientos de esa época, un grito inequívoco, claro para las manifestaciones las actitudes y manifestaciones colonialistas. La pintura ecuatoriana en un buen tiempo han sido producciones separadas por el vacío, paréntesis de silencios, no se da el encuentro entre artistas, literatos de una misma cultura sino una conversación particular de cada uno con el arte universal o europeo, americano. El contacto con los movimientos, la correspondencia, nos llevó al encuentro con la realidad ecuatoriana, con la Patria grande.
En este encuentro de arte, la literatura toma la realidad de las mayorías – más como temáticas que como actitud transformadora. Agustín Cueva retoma en términos generales las figuras de Oswaldo Guayasamín, Tábara, Villavicis, Mideros y otras figuras reconocidas, pero en rigor dice el autor: “el hombre ecuatoriano sigue siendo un “ser de lejanías”.
Por entonces, todo el trabajo de diseño se realizaba manualmente. ¿Crees que con la llegada de los ordenadores has perdido algo, o crees que la esencia del diseño sigue siendo la misma, sin importar las herramientas?
El contexto de mi trabajo me ha obligado siempre a permanecer en el campo, en zonas lejanas, sin servicios. Por esa razón, entre otras, he trabajado siempre normalmente de forma artesanal y en formatos pequeños. El trabajo creciente en la Cooperativa, el diseño e ilustración de textos de estudio y la pandemia me obligó a utilizar y combinar la manual, presencial y lo virtual. Sigo produciendo las ilustraciones manualmente, y la fuente de inspiración es la actividad diaria cotidiana del pueblo en su lucha económica, política, social, cultural, ecológica, migratoria – sobre todo los más vulnerables: mujeres y niños.
¿Crees que tu trabajo podría haber sido diferente si hubieras tenido acceso a todas las herramientas tecnológicas que tenemos hoy? ¿O no cambiaría en absoluto?
Conozco por la Neurología, la Neuropedagogía, lo que significa el trabajo, la comunicación, presencial. Estoy habituado y gozo en ese proceso de “escucha activa” de pensamiento visual, de interiorización, de alta empatía para captar más allá de solo los sentidos, las emociones y poder dibujar, colorear, crear textos en contextos y con pretextos motivadores.
Trabajamos en equipo de comunicadores buscando hacerlo con sintonía, sinfonía, simpatía, sinergia. Hay aspectos muy positivos en el uso de herramientas virtuales sin descuidar las presenciales. Para dibujar y colorear lo hago manualmente, profundizamos en la ciencia del cerebro lógico y el cerebro artístico.
Mirándolo ahora, si pudieras, ¿hay algún trabajo propio que hubieras cambiado o hecho de otra manera?
Mi experiencia sigue siendo manual, en equipo, mejorando tecnologías que nos acerquen y que comuniquen emocionalmente.
En mi juventud tuve una necesidad vital de consumir revistas internacionales y publicaciones de diseño, como Graphis, Idea, Novum y otras, ya que en mi país (Brasil) no teníamos nada local. ¿Cómo ha sido esto en su caso particular?
Tengo convicciones profundas y opciones éticas, políticas, pedagógicas. Buscamos en nuestras instituciones un ethos, una ética y una estética expresadas en nuestros programas con honestidad, servicios sociales, culturales y financieros, con una dinámica espiral de apertura y creatividad de servicio.
Fui miembro del programa “Unidos Somos Más” en el desastre nacional de la corriente del niño 1983-84. Con Peter Mussfeldt realizamos una campaña con consignas en bolsos-ropa-recipientes de agua-reservorios con los diseños de Peter.
¿El término «diseño», aplicado a todo y a todos, incluidos los nuevos edificios residenciales, parece una trivialización de esta profesión?
Habiendo estado seis años en Europa y habiendo tenido la experiencia de la deshumanización de la humanidad, la inteligencia artificial, la carrera tecnológica nos llevó al arte conceptual, a la modernización y estilización de la realidad humana. Hay un fuerte influjo del mercado y del enriquecimiento sobre el diseño, se da en la arquitectura, la moda, incluso en el arte. Hay una pérdida de interés por la realidad humana. Los pueblos desaparecen para dar paso al protagonismo individualizado de obras y diseños que no confrontan la realidad humana, sino situaciones de mercado.
Hoy me parece que hay un total desinterés de los jóvenes por la información, el conocimiento, etc. Milton Glaser decía que los estadounidenses desconocen todo lo que sucedió hace más de 5 años. Es un hecho que estamos viviendo un desastre cultural, no solo por lo que se ofrece sino también por la indiferencia de una parte de los jóvenes ¿Cómo lo ves en comparación con otras épocas?
Yo tengo al menos cinco amigos pintores que ya no venden ni un cuadro, como Modigliani, que regresaba vendiendo los marcos y no los cuadros. El mundo del arte entró en las finanzas, y encuentras obras absurdas que se subastan en millones. Esto es absurdo para nuestra perspectiva, que sería elevar el ser humano y darle otra racionalidad. Pero, hay que aceptar la irracionalidad como parte de un nuevo componente del ser humano, incluso debemos ubicarnos en la irracionalidad. Lo peor que podrías hacer es ser indiferente, no debes ser como la gente que no está movida por nada o no le motiva nada.
La pregunta clásica: si tienes algún consejo que dar a la nueva generación de diseñadores, ¿cuál sería? ¿Y por qué?
Para mí, lo que se debe decir a los jóvenes es que deben tener una cercanía a lo sencillo, alejamiento al mercantilismo y buscar formas de vida sencillas, comunicacionales y calidad de vida.
No perder nunca la sensibilidad, estar atentos siempre a lo que pasa a tu alrededor, con asombro. En la situación que estamos viviendo, debemos renovarnos por dentro y renovar a los que están a nuestro lado. Además, debemoss buscar las herramientas que están dentro de nosotros para romper esquemas, crear y no desanimarnos frente a esta sequedad en la creatividad.
Mantener el ethos, la ética y estética como motivaciones, más allá de la barbarie que se vive.
