Rui de Oliveira nació en la ciudad de Río de Janeiro, Brasil, en 1942. Después de finalizar sus estudios secundarios, estudió pintura en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y artes gráficas en la Escuela de Bellas Artes de la UFRJ (Universidad Federal de Río de Janeiro). Posteriormente realizó su maestría y doctorado en la Escuela de Comunicaciones y Arte de la USP (Universidad de São Paulo). Durante 6 años estuvo en Hungría estudiando diseño e ilustración en la Universidad de Arte y Diseño Moholy-Nagy, además de completar un curso de especialización en animación cinematográfica en el estudio húngaro Pannónia Studio, todo en Budapest.
Luego de su paso por Hungría regresó a Brasil en 1975, y fue contratado por TV Globo, la más grande emisora del país. Además de crear aperturas para telenovelas, su principal labor fue la dirección de arte de la serie infantil Sítio do Picapau Amarelo, uno de los programas más importantes de esta emisora, estrenada en 1977, que contaba con sus aperturas y viñetas en cada capítulo.
En 1980 Rui se trasladó a TV Educativa (actualmente TV-Brasil), donde se desempeñó como director de arte hasta 1983. En esta emisora reformuló la videografía televisiva y creó decenas de viñetas y aperturas de los programas de la emisora. A partir de 1983 se dedica exclusivamente al cine de animación, el diseño y la ilustración de libros. Ha ilustrado, hasta hoy, más de 148 libros y diseñado decenas de portadas para las principales editoriales brasileñas de literatura infantil y juvenil, además de haber realizado 4 cortos animados.
Fiel a su estilo de ilustración, en el que los detalles están concebidos con maestría, Rui ya ha recibido varios premios como cineasta de animación e ilustrador de libros, incluido tres veces el premio de ilustración Jabuti, el premio literario más importante del país. Durante 30 años Rui enseñó en la Carrera de Comunicación Visual / Diseño de la Facultad de Bellas Artes de la UFRJ, y actualmente es profesor jubilado. Ha participado con sus ilustraciones en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Brasil y en el extranjero, y desde su estudio en Río de Janeiro continúa creando y editando continuamente sus libros, ilustrando para otros o incluso creando y escribiendo el mismo las historias que ilustra.
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¿Cómo fueron tus primeros pasos en la carrera del diseño en tu país? En otras palabras, ¿cuál era la percepción de este trabajo en aquél momento?
Creo que la formación en diseño es un básico imprescindible para cualquier profesional que trabaje y se exprese a través de la imagen. Si eres director de arte, escenógrafo, fotógrafo, camarógrafo, diseñador tipográfico, dibujante de dibujos animados y juegos o ilustrador. A lo largo de mi formación en la Carrera de Artes Gráficas (así se llamaba en ese momento, en la Escuela de Bellas Artes de Río de Janeiro), me di cuenta de que el acto de contar y describir historias a través de imágenes era lo que más me seducía profesionalmente. Mi aprendizaje del cine de ilustración y animación sólo se produjo en Europa, puntualmente en Hungría, donde estudié durante 6 años en la Universidad de Arte y Diseño Moholy-Nagy, en Budapest.
¿Se reconoció entonces la importancia de este trabajo?
Dentro de la imagen narrativa y la videografía, el primer reconocimiento a mi trabajo se produjo cuando regresé a Brasil, en 1975, y fui contratado como director de arte por TV Globo. Y, luego, en TV Educativa, hoy TV Brasil. En ambas estaciones diseñé aperturas y viñetas de programas. En el caso de TV Globo, fui director de arte de la telenovela Sítio do Picapau Amarelo, lo que me abrió las puertas a la animación, el diseño y especialmente la ilustración.
¿Cómo era el entorno cultural del país en ese momento?
Brasil es un gran país y, después de 21 años de gobierno militar excepcional, estaba viviendo un momento de plena democracia, con prensa libre y libertad de expresión. Esta es la base para que se desarrolle el arte y la cultura del país.
Por entonces, todo el trabajo de diseño se realizaba manualmente. ¿Crees que con la llegada de los ordenadores has perdido algo, o crees que la esencia del diseño sigue siendo la misma, sin importar las herramientas?
Sinceramente -y es una opinión personal- esta mafia tecnicista digital, y ahora con la “Inteligencia Artificial”, no veo nada que perjudique mi trabajo. Al contrario: cada día que pasa me vuelvo más artesanal. Para mí, ser vanguardista, frente a las modas y al fraude artístico, significa preservar el pasado. El arte digital –en mi caso– es mi huella digital. Sin embargo, no renuncio a la tecnología, escucho a las “nereidas modernas” pero siempre atado al mástil de mi barco, como Ulises.
¿Crees que tu trabajo podría haber sido diferente si hubieras tenido acceso a todas las herramientas tecnológicas que tenemos hoy? ¿O no cambiaría en absoluto?
No. No veo la tecnología como un elemento de cambio estético y conceptual en mi trabajo. Dibujar un ojo se puede hacer tecnológicamente utilizando recursos digitales o IA. La tecnología puede representar el ojo, pero nunca la mirada. Esta es una suposición humana e infinita.
Mirándolo ahora, si pudieras, ¿hay algún trabajo propio que hubieras cambiado o hecho de otra manera?
Lo correcto pasaba necesariamente por el limbo del error. Hay un momento histórico en nuestro trabajo. Un error puede ser un augurio positivo de algo bueno y seguro que sucederá. Tenemos que ser conscientes de que “la sublime perfección” que proclamaron los maestros italianos, es únicamente una voluntad de ser y una esperanza de lograr.
En mi juventud tuve una necesidad vital de consumir revistas internacionales y publicaciones de diseño, como Graphis, Idea, Novum y otras, ya que en nuestro país (Brasil) no teníamos nada local. ¿Cómo ha sido esto en su caso particular?
Compré y coleccioné estas revistas hasta mediados de los años 80. Creo que la llegada de la infografía trajo una euforia, un manierismo gráfico, un engaño estético que me hizo alejarme de estas revistas.
¿El término «diseño», aplicado a todo y a todos, incluidos los nuevos edificios residenciales, ¿es una trivialización de esta profesión?
El diseño es la inteligencia visual de un pueblo, de un país. Creo que el alma de una nación es su música, su poesía y su literatura. El cuerpo de esta alma es la imagen. La creación visual estética, lejos de cualquier elitismo o presunción excluyente, no es un fenómeno “para todos”.
Hoy me parece que hay un total desinterés de los jóvenes por la información, el conocimiento, etc. Milton Glaser afirmaba que los estadounidenses desconocen todo lo que sucedió hace más de 5 años. Es un hecho que estamos viviendo un desastre cultural, no solo por lo que se ofrece sino también por la indiferencia de una parte de los jóvenes. ¿Cómo lo ves en comparación con otras épocas?
Fui profesor durante más de 30 años de la Carrera de Diseño y Comunicación Visual de la Escola de Belas de la Universidad Federal de Río de Janeiro. No es una visión conformista ni anticuada. Siempre les decía a mis alumnos: “Tengan curiosidad, porque el pasado no ha pasado”.
La pregunta clásica: si tienes algún consejo que dar a la nueva generación de diseñadores, ¿cuál sería? ¿Y por qué?
La respuesta es un pentágono, una estrella de cinco puntas: estudio, trabajo, honestidad, tenacidad y paciencia. Estas son las palabras que intenté cultivar en mi vida personal, social y profesional. Vivimos tiempos muy difíciles. No sé si tuve éxito en esta búsqueda, pero el solo hecho de seguir los caminos, y no los atajos, fue un gran consuelo para mí. Agradezco esta oportunidad de mostrar un pequeño extracto de mi trabajo, así como leer estas reflexiones sobre el binomio vida y arte.
